カイユボット《パリの通り、雨の日》｜雨粒がないのに雨と分かる理由

大きな傘をさした男女が、こちらへ歩いてきます。足もとの石畳は濡れて光り、遠くの交差点にも傘が並んでいます。ところが、画面のどこを探しても、雨粒を描いた線は見当たりません。それなのに、なぜこの絵は雨の日だと分かるのでしょうか。

描いたのは、フランスの画家ギュスターヴ・カイユボット（1848〜1894年）です。1877年、28歳のときの作品で、シカゴ美術館は「画家の最大の、いちばん意欲的な作品」と説明しています。この記事では、雨の表し方、手前の二人、街灯が決める画面の仕組み、写真との関係を、美術館の調査をもとに順に見ていきます。

• どんな絵？　1877年のパリの交差点。縦約2.1メートル、横約2.8メートルの大画面です。
• 見どころ　雨粒なしで雨を見せる工夫、描き直された手前の二人、街灯と建物がつくる奥行きです。

この絵は、パリのどこを描いたの？

サン＝ラザール駅に近い、パリの交差点です。画家の家からは、歩いてすぐの場所でした。

シカゴ美術館の研究によると、ここは、トリノ通り、モスクワ通り、サン＝ペテルスブール通りが出会う交差点です。道が8方向に分かれる、複雑な形をしています。パリの8区にあたります。画家は、トリノ通りに立ち、サン＝ペテルスブール通りの方向を見ています。1877年に絵を見た批評家たちも、場所に気づいていました。

それでも題名は「パリの通り」で、道の名前は出していません。画家の家族は、1860年代に近くのミロメニル通り77番地へ引っ越していました。画家は、カフェへ向かうふだんの道すじで、この交差点を通っていたと考えられています。

上の拡大図の中央には、屋根に煙突が並ぶくさび形の建物があります。1階の看板には「PHARMACIE」と読める文字があります。カタログによると、この建物は最近建てられたものです。交差点の工事も、画家が下絵を描いたころに、ちょうど終わったところでした。

古い街と、新しい街が出会う場所

絵の背景には、大きな都市の改造があります。シカゴ美術館によると、パリでは何十年にもわたる工事で、中世からの狭い道が、広い大通りに変わっていきました。これを進めたのが、セーヌ県知事のジョルジュ＝ウジェーヌ・オスマンです。

写真家のシャルル・マルヴィル（1813〜1879年）は、1862年からパリ市の公式の写真家として、この工事を記録しました。取り壊される予定の地域も、ガス灯や売店のような新しい設備も撮っています。

この写真は絵の場所ではなく、パリの別の通りです。それでも、1860年代の狭い道の様子はよく分かります。見比べると、カイユボットの交差点がどれだけ広く、明るく開けているかが見えてきます。

シカゴ美術館のカタログは、絵の中にも新旧の対比があると読んでいます。手前の二人が歩く狭い歩道は古い街の名残で、道の向こうの薬局の入る建物は、新しい街の象徴です。カタログの見方ですが、画面を見ると納得できます。

同じ時代のパリの人びとを、駅やカフェ、オペラ座で比べる記事もあります。19世紀パリの人びとは、どこにいた？駅・カフェ・オペラの5作品も読んでみてください。

雨粒を描かずに、雨を見せる方法は？

傘と、濡れた石畳の反射です。シカゴ美術館は、画家が雨粒をはっきり描く代わりに、この二つで天気を示したと説明しています。

まず傘です。美術館は、当時使われ始めたばかりの、開いたり閉じたりできる傘が使われていると書いています。画面には、手前の二人のほかに、少なくとも24人の人物が描かれています。これは編集部の見方ですが、傘の丸い縁は、建物の直線とは違うリズムを画面に持ち込んでいます。

次に石畳です。下の拡大図で、石の一つひとつを見てみましょう。

石の上には、白い光の筋がのっています。石の間のくぼみは、水がたまったように緑がかった灰色です。同じ光が、街灯の根もとの歩道にも映っています。

美術館の調査では、画家はこの石畳を何度も描き直したことが分かっています。まだ乾かない絵の具に筆の裏側を押しこんで、水たまりに光が映る様子を表した部分もあるそうです。

洗い直して見えた、色の変化

この絵は、2013〜14年に修復されました。保存修復で、黄ばんだワニス（絵を守る透明な膜）が取り除かれ、画面は青みを増して見えるようになりました。空の色も、変化に富んだものになったと報告されています。

傘の色にも発見がありました。薄い紫がかった傘は、以前は変色したワニスに隠れていたのです。1880年、作家で批評家のユイスマンスは、画家が青と紫を使いすぎる癖から抜け出したと書きました。美術館のカタログは、この絵の傘のことだったかもしれない、と推測しています。

美術館は、画家がこの大きな絵に、雨上がりに日が差す気配のような、細かな明るさの変化を持たせたかったのだと述べています。研究者のヴァルネドーが「冷たい金属のような灰色」と呼んだ全体の色調には、レモン色や淡い藤色も混じっています。

手前の二人は、何を見ているの？

二人とも、画面の左のほうへ目を向けています。何を見ているのかは、絵から分かりません。美術館は「画面の外の何かが、二人の注意を引いたように見える」と、慎重に説明しています。

女性は、毛皮の帽子に半分のヴェールをつけ、きちんとした服装です。男性は、前の開いたコートに片手を入れ、ゆったりと歩いています。服装の研究者は、男性の「大らかで気ままな優雅さ」と、女性の「控えめなきちんとした身だしなみ」の違いを指摘しています。男性は、街を歩きなれた人のようにも見えます。

女性の耳には、小さく光る飾りがあります。以前は真珠と書かれていましたが、修復のあとは、もっと高価な、ダイヤモンドのような宝石に見えるようになりました。

二人の姿は、何度も描き直された

赤外線やX線などの調査から、二人は最初、いまとは違う姿だったことが分かっています。はじめは目を上げていて、顔はもっと真横を向いていました。女性の手袋は、あとから足されています。傘の位置や、頭の角度、服のひだも、何度も調整されました。

こうした描き直しの跡をペンティメントといいます。最初の絵の上に塗り重ねられても、調査をすると下の絵が見えてきます。完成した絵は自然な一瞬に見えますが、実際には、画家が考えを重ねた結果なのです。

まわりの人は、どんな人たち？

二人のほかにも、いろいろな身分の人が描かれています。カタログは、こう読んでいます。左奥の建物の前を横切る男女は、連れ立っているのではなく、夫婦でもなさそうです。女性はほつれたショールを着て、男性のコートは長すぎます。街で働く商人かもしれません。

そのほか、はしごを持つ職人や、右の戸口で傘を開くエプロン姿の女性がいます。画家は、新聞の風刺画や版画の表現も取り入れて、動く人びとの群れを描いたといいます。

街灯と建物の線は、画面をどう決めている？

中央近くに立つ緑の街灯が、画面を左右に分けています。そこに建物の線が重なり、見る人の目を、手前の二人から遠くへ引き込みます。

上は、同じシカゴ美術館にある習作の素描です。街灯と、左右の建物の配置が、完成した絵とよく似ています。人物は、まだ小さな縦の波線でしかありません。美術館は、この素描が、現地でのスケッチと、スタジオで線をそろえ直した設計図の、二つの段階を重ねたものだと説明しています。

画家は、この素描から、どう大きな絵に移したのでしょう。調査で分かったことを順に見ます。

• 素描の紙には、コンパスのような道具でつけた小さなくぼみがありました。美術館は、これを使って、消失点（奥へ伸びる線が集まる点）などの位置を画布に移したと推測しています。
• 素描と絵の距離を測ると、約7倍に拡大した比率になっていました。
• 絵の赤外線写真には、消失点に打ったとみられる鋲（びょう）の穴も写っています。
• 絵では、地平線の位置を調整し、下の部分を足して、高さを素描より約17パーセント増やしています。このため、手前の石畳は、大きく広がって見えます。

線遠近法で厳密に描くなら、歩道や石畳と、左右の建物には、別々の消失点が必要です。素描の画家は、それらをまとめる一つの点を、街灯の右側に決めました。小さな調整ですが、見る人が道の上に立っているような、生々しい感じを生みます。

完成した絵の主な消失点は、街灯のすぐ右、後ろ向きに歩く二人の女性の頭のあいだにあります。人物の頭が、ほぼ地平線の高さに並んでいるのも、この絵の特徴です。地平線は、見る人の目の高さに置かれました。そのため、見る人は絵の中の道に入りこんだような感覚になります。

写真のような切り取りは、本当に写真から？

写真を使ったとは、決められません。当時の人は、この絵を写真のようだと感じました。けれどもシカゴ美術館は、素描が写真のなぞり書きではない可能性が高いとみています。

1877年の批評家ポール・セビヨは、この絵を見て「写真がこれからどうなるかを示している」と書きました。画面の端で切れる人物や、広い範囲を一度に見せる構図は、たしかに広角レンズの写真に似ています。1976年には、研究者のピーター・ガラッシが、画家は写真を下敷きにしたのではないかと論じました。

シカゴ美術館の研究チームは、それを確かめました。結論は、写真からなぞった可能性は低い、というものです。理由は三つあります。

1. 素描の紙が、なぞるには厚すぎる。
2. 写真やカメラ・オブスクラ（暗い箱に外の景色を映す装置）のような、レンズ特有のゆがみが見えない。
3. これほど広い範囲を写すには、特別なレンズが必要になる。

美術館の研究チームが可能性が高いと考えたのは、カメラ・ルシーダという道具です。小さなプリズムをのぞくと、紙の上に目の前の景色が重なって見える装置です。映った像をなぞるのではなく、見えた線を紙に写し取ります。2015年にパリで行った実験では、素描の景色は、この道具で見える景色とほとんど重なりました。視点の高さも、画家が胸の高さで使った場合の、地面から約127センチと一致します。

ただし、画家がこの道具を使ったと示す記録は、いまのところ見つかっていません。美術館も、使った可能性が高い、というところまでです。

当時、写真のような正確さは、必ずしもほめ言葉ではありませんでした。作家のエミール・ゾラは、画家の別の作品を「正確すぎて、芸術的でない」と批判しています。画家が、道具の使い方をあまり語らなかった理由も、そこにあるかもしれない、と美術館は述べています。

また、画面の端で切れる人物は、写真だけの特徴ではありません。1870年代には、新聞の風刺画や、ドガの絵にも、体の一部が切れる表現がありました。カイユボットは、こうした近代の表現を取り入れたとも考えられます。

「写実」という言葉は、写真のように写すことではありません。写実主義とは？働く人と暮らしを大きな画面に描いた、19世紀の画家たちも、あわせて読むと違いがつかめます。

1877年の印象派展で、どう受け止められた？

大きさが、会場のほかの作品から飛び抜けていました。賛否の声がありましたが、ある批評家は、この展覧会で「最も傑出した作品」と呼んでいます。

絵は、1877年4月にパリで開かれた、第3回の印象派展に出品されました。この絵の題は、展覧会の目録で「パリの通り、雨天」でした。印象派の画家たちが、サロンとは別に開いたグループ展です。印象派の始まりは、印象派は突然始まった？1874年前後の5作品で見る変化でたどれます。

カイユボットは、この展覧会で最も活発に出品した画家でした。《ヨーロッパ橋》という、同じように大きな絵も出しています。前の年には、床を削る労働者を描いた2点の絵で、観客を驚かせていました。ただ当時は、裕福な家の「余暇に描く人」と見られていた、と美術館は書いています。広いアトリエと、買い込める大きな画布があるからです。

一方で、ある批評家は、画面の「奇妙さ」を指摘しました。「半分に切られた人物」や「傘からぶら下がる、足だけの人物」が気になったのです。それでも別の批評家は、この絵を批判した人は、描くのがどれだけ難しいか考えたこともないだろう、と書いています。

同じ展覧会に出た、モネの駅

同じ展覧会には、モネも出品していました。サン＝ラザール駅を描いた絵です。シカゴ美術館によると、モネは駅の絵12点のうち8点を、この展覧会に間に合わせました。

モネの絵は、蒸気も人も、ぼんやりとにじんでいます。カイユボットの絵は、傘も人物も、くっきりと輪郭が見えます。どちらもサン＝ラザール駅の近くを舞台にした、同じ年の絵ですが、見せ方はこれほど違います。美術館のカタログは、カイユボットの絵を、モネたちのぼかした表現とは違う、時間が止まったような一瞬だと評しています。モネにとって、この駅の絵は、都市の暮らしを描く最後の試みでした。その後のモネがどこへ向かったかは、モネ《睡蓮》をどう見る？水面・反射・描き直しを読むで見られます。

その後のカイユボット

このような大きさで、多くの人物を街の高さから描いた絵は、その後ありませんでした。1879年までに、画家はオスマン大通りへ引っ越します。以後の街の絵は、自宅のバルコニーから見下ろす視点が中心になります。《ヨーロッパ橋》や本作のような、道を歩く人の目線の直接さは薄れた、と美術館は書いています。

カイユボットは、仲間の画家を経済的に助けた、裕福な画家としても語られてきました。けれども美術館は、この絵に、画家が大きな野心を持って取り組んだことを強調しています。

今どこで見られる？

シカゴ美術館の第201室に展示されています（2026年11月8日、美術館の公開データで確認）。ただし、展示替えや貸し出しで、場所が変わることがあります。出かける前に、シカゴ美術館の作品ページで最新の情報を確かめてください。

どうしてシカゴ美術館にあるの？

ニューヨークの収集家の手を経て、1964年にシカゴ美術館が購入したからです。持ち主の移り変わりを来歴といいます。美術館の記録は、次のように伝えています。

• 1894年に画家が亡くなったあと、弟のマルシャル・カイユボットの手に渡る
• 1900年に、マルシャルの義弟ジョルジュ・ミノレの城館（パリの南東）に預けられる
• 1950年（館の作品記録。館長の文章では1951年）に、マルシャルの娘ジュヌヴィエーヴとその夫アルベール・シャルドーのもとへ戻る
• 1954年に、ニューヨークの収集家ウォルター・P・クライスラー・ジュニアが買う
• その後、画商ウィルデンシュタインを経て、1964年にシカゴ美術館が購入する

絵は、画家の死後およそ60年間、ほとんど出版物に載らず、忘れられていたと、美術館の館長は書いています。1976年の展覧会の図録で、研究者のカーク・ヴァルネドーは、この絵を「カイユボットの傑作」と呼びました。1964年の購入は、画家の評価が高まる転機の一つだった、と美術館は述べています。

実際の絵の前では、遠くの交差点から見始めて、石畳の光、傘の縁、手前の二人の順に、目を寄せてみてください。大きな画面だからこそ、道の上に立って、雨の街を見ているような感覚が味わえます。絵の見方に迷ったら、一枚の絵を楽しむ5つの順番も手がかりになります。

あわせて読みたい

• 床の線が奥へ進む絵をもう1枚：ドガ《The Dancing Class》
• 消失点の探し方を練習する：絵の消失点はどう探す？遠近法がわかる5作品の見方
• 蒸気の向こうに列車を感じさせる絵：マネ《鉄道》をどう見る？

参考にした資料

• シカゴ美術館 作品記録（API、英語）：題名、制作年、寸法、署名、来歴、展覧会歴、所蔵館の解説、展示室
• Caillebotte Paintings and Drawings at the Art Institute of Chicago, cat. 2「Paris Street; Rainy Day」（英語）：場所、構図、制作の過程、写真との関係、修復、受容
• 同カタログ cat. 1「Study for “Paris Street; Rainy Day”」（英語）：交差点の位置、素描と遠近法
• 同カタログ 館長の言葉（英語）：作品の評価と来歴
• シカゴ美術館 モネ《ノルマンディー線の列車の到着、サン＝ラザール駅》（英語）、マルヴィル作品記録（英語）

画像の出典：《パリの通り、雨の日》、習作の素描、モネ《ノルマンディー線の列車の到着、サン＝ラザール駅》、マルヴィルの写真は、いずれもシカゴ美術館の所蔵で、作者は1955年以前に亡くなっており、作品はパブリックドメインです。画像はシカゴ美術館のオープンアクセスの CC0 により使っています。全図は Wikimedia Commonsの画像（CC0）で、部分図は同じ画像から切り抜いたものです。