このページでは、Vellumの記事に出てくる美術の言葉を、8つのグループに分けて短く説明します。どの用語も、最初の1文で意味がわかるように書きました。多くの用語の最後には、その言葉が実際に見られる作品の記事へのリンクがあります。
知らない言葉が出てきたら、ここで意味を確かめて、作品の記事に戻ってください。言葉を覚えることよりも、その言葉を手がかりに絵の前で目を動かすことを大切にしています。
用語は、記事が増えるたびに少しずつ追加していきます。
目次
- 絵の材料と道具：油彩・テンペラ・フレスコ・支持体・カンヴァス・板絵・地塗り・顔料・ウルトラマリン・ニス
- 描き方：下描き・素描・グレーズ・インパスト・筆触・点描・グリザイユ・スフマート・金地・エッチング
- 光・空間・構図：構図・明暗法・テネブリスム・ハイライト・遠近法・線遠近法・消失点・空気遠近法・前景・中景・遠景・短縮法・平面性・余白・カメラ・オブスクラ
- 絵の種類と題材：歴史画・ジャンルの序列・肖像画・自画像・集団肖像画・風俗画・風景画・静物画・ヴァニタス・寓意・アトリビュート・トローニー・習作・模写・連作・祭壇画
- 時代と流派：ルネサンス・北方ルネサンス・マニエリスム・バロック・ロココ・新古典主義・ロマン主義・ハドソン・リバー派・写実主義・印象派・新印象派・ポスト印象派・象徴主義・ジャポニスム
- 日本の絵：浮世絵・錦絵・木版画・版元・美人画・役者絵・名所絵・屏風・琳派
- 発表の場：アカデミー・サロン・落選展
- 作品を調べる・守る：来歴・帰属・工房・X線調査・赤外線調査・蛍光X線分析・描き直し・修復・カタログ・レゾネ・ステート・パブリックドメイン・オープンアクセス
絵の材料と道具
絵が何で、何の上に描かれているかを表す言葉です。作品の記事の「作品データ」に出てくる「カンヴァスに油彩」のような書き方は、ここにある言葉の組み合わせです。
油彩（ゆさい）
油彩は、顔料を乾くと固まる油（おもに亜麻仁油）で練った絵の具で描く方法です。「油絵」とも言います。乾くまでに時間がかかるので、色をなめらかにぼかしたり、薄い層を何度も重ねたりできます。15世紀のネーデルラント（今のベルギーやオランダのあたり）で技法が大きく磨かれ、16世紀のうちにヨーロッパの絵画の中心になりました。ファン・エイクが発明したと言われることがありますが、油を使った絵の具はそれより前からあり、ファン・エイクたちネーデルラントの画家は、その使い方を大きく進めたと考えられています。
記事で見る：フェルメール《牛乳を注ぐ女》の見方、絵の筆触の見方
テンペラ
テンペラは、顔料を卵黄などで溶いた絵の具、またはそれで描く方法です。すぐに乾くので、色をぼかすより、細い筆の線を何本も重ねて形や陰をつくります。中世からルネサンス初期のイタリアでは、板に描く絵の多くがこの方法で描かれました。
記事で見る：ボッティチェリ《受胎告知》の見方
フレスコ
フレスコは、壁に塗ったばかりの、まだ湿っている漆喰（しっくい）に、水で溶いた顔料で描く壁画の方法です。漆喰が乾くと色が壁と一体になり、長く残ります。乾く前に描き終える必要があるので、一日に描ける広さずつ漆喰を塗って進めます。ミケランジェロのシスティーナ礼拝堂の天井画が、よく知られた例です。
支持体（しじたい）
支持体は、絵の具を載せる土台のことです。木の板、布（カンヴァス）、紙、壁、銅板などがあります。何に描かれているかによって、絵の大きさ、表面の感じ、年月による傷み方が変わります。
カンヴァス
カンヴァスは、麻などの布を木の枠に張り、絵が描けるように下地を塗ったものです。「キャンバス」「画布」とも書きます。板より軽く、大きな画面をつくりやすく、丸めて運ぶこともできます。16世紀のヴェネツィアで油彩と組み合わせて広く使われるようになり、のちに西洋絵画の代表的な支持体になりました。
記事で見る：ラビーユ＝ギアール《二人の弟子と自画像》
板絵（いたえ）
板絵は、木の板に描いた絵です。カンヴァスが広まる前のヨーロッパでは、持ち運べる絵の多くが板に描かれました。北ヨーロッパではオーク（ナラ）材、イタリアではポプラ材がよく使われました。
記事で見る：フェルメール《赤い帽子の女》の見方、ブリューゲル《穀物の収穫》
地塗り（じぬり）
地塗りは、支持体の上に最初に塗る下地の層です。絵の具が吸い込まれるのを防ぎ、表面をなめらかにします。白い地は上の色を明るく見せます。灰色や茶色の地は、中くらいの明るさから描き始めるのに向いています。
記事で見る：マネとスペイン絵画の比べ方
顔料（がんりょう）
顔料は、色のもとになる粉です。鉱物や土、植物、虫などからとられるほか、人の手で化学的に作られるものもあります。18〜19世紀には、新しい合成の顔料が次々に生まれました。粉のままでは画面に付かないので、油、卵、膠（にかわ）などと混ぜて絵の具にします。何を混ぜるかで、油彩やテンペラといった描き方の名前が決まります。
記事で見る：フェルメール《手紙を書く女》の見方
ウルトラマリン
ウルトラマリンは、青い石ラピスラズリを砕いて精製した青い顔料です。原石はおもに今のアフガニスタンから運ばれ、とても高価でした。そのため、聖母マリアの衣のような大切な部分に使われることが多くありました。1820年代の終わりに人工のウルトラマリンが作られ、19世紀のうちに安く手に入るようになりました。
記事で見る：フェルメール《手紙を読む青衣の女》の見方、フェルメール《真珠の耳飾りの少女》の見方
ニス（ワニス）
ニスは、完成した絵の表面に塗る透明な膜です。絵の具を汚れから守り、色に深みとつやを与えます。昔の天然樹脂のニスは年月とともに黄ばむため、修復で取り除いて塗り直すことがあります。
記事で見る：フェルメール《天秤を持つ女》の見方
描き方
絵の具をどう置いたか、どう重ねたかを表す言葉です。画面に近づいたときに見える違いの多くは、ここにある言葉で説明できます。
下描き（したがき）
下描きは、絵の具を塗る前に、形や配置を決めるために描いた線です。完成した絵では多くの場合見えませんが、赤外線を使った調査で見えることがあります。下描きと完成作を比べると、画家がどこで考えを変えたかがわかります。
記事で見る：フェルメール《牛乳を注ぐ女》の見方
素描（そびょう）
素描は、線や陰影で形をとらえた絵のことです。「デッサン」とも言います。鉛筆、木炭、チョーク、ペンとインクなどで描かれます。完成作の準備として描かれることもあれば、それ自体が作品として描かれることもあります。
記事で見る：ラビーユ＝ギアール《二人の弟子と自画像》
グレーズ
グレーズは、乾いた絵の具の上に、透明な絵の具をごく薄く重ねる技法です。下の色が透けて見えるので、深い色や、内側から光るような効果が出ます。油彩の画家が、肌や布の深い影などによく使いました。
記事で見る：マネとスペイン絵画の比べ方
インパスト（厚塗り）
インパストは、絵の具を厚く盛り上げて塗る方法です。筆やナイフの跡が立体的に残り、光が当たると小さな影ができます。レンブラントやゴッホの絵でよく見られます。
記事で見る：ゴッホ《糸杉のある麦畑》、絵の筆触の見方
筆触（ひっしょく）
筆触は、画面に残った筆や絵の具の跡のことです。「タッチ」とも言います。向き、長さ、厚さ、重なり方を見ると、画家の手の動きや描く速さを想像できます。
記事で見る：絵の筆触の見方、印象派は1874年前後にどう変わったか
点描（てんびょう）
点描は、小さな点や短い筆触で、色を画面に並べていく描き方です。1880年代のフランスで、ジョルジュ・スーラが色の理論を研究しながら作り上げました。色を混ぜずに並べると、離れて見たときに近くとは違う色のまとまりに見えます。スーラたちは、色が見る人の目の中で混ざると考えていました。
記事で見る：スーラ《グランド・ジャット島の日曜日の午後》の見方、スーラ《サーカスのパレード》
グリザイユ
グリザイユは、灰色など一つの色の濃い・薄いだけで描く方法です。フランス語の「灰色」に由来します。彫刻のように見せたいとき、祭壇画の扉の外側、色を塗る前の下描きの段階などで使われました。
スフマート
スフマートは、輪郭線を目立たせず、明るいところから暗いところへ少しずつ移り変わるように描く方法です。イタリア語で「煙のような」という意味です。レオナルド・ダ・ヴィンチの《モナ・リザ》の口元や目元が、よく例に出されます。
金地（きんじ）
金地は、背景に金箔（きんぱく）を貼った画面のことです。ヨーロッパでは中世から初期ルネサンスの宗教画で、日本では屏風や襖（ふすま）でよく使われました。光を受けると輝き、場面を現実の部屋や風景から切り離して見せる効果があります。
記事で見る：尾形光琳《波濤図屏風》と琳派
エッチング
エッチングは、銅などの金属の板を酸に強い膜で覆い、針で膜をひっかいて線を描いてから酸にひたし、膜がはがれた線の部分だけを溶かして溝をつくる版画です。溝にインクを詰め、表面のインクはふき取ってから、湿らせた紙を重ねてプレス機で刷ります。ペンで描くような細く自由な線が出せ、レンブラントやゴヤ、マネもエッチングで作品を残しました。
記事で見る：マネとスペイン絵画の比べ方、19世紀パリの人びとは、どこにいた？
光・空間・構図
平らな画面の中に、光や奥行きをどうつくるかを表す言葉です。絵の中で目がどこからどこへ動くかを考えるときに役立ちます。
構図（こうず）
構図は、画面の中に人や物、明るいところと暗いところをどう配置するかという組み立てのことです。同じ題材でも、構図が変わると、目の動きや受ける印象が大きく変わります。
記事で見る：フェルメールの構図の読み方
明暗法（めいあんほう）
明暗法は、光と影の差をはっきり描いて、形の立体感や場面の劇的な感じを生む方法です。イタリア語の「明るい（キアーロ）」と「暗い（スクーロ）」を合わせて、「キアロスクーロ」とも呼ばれます。ルネサンスの画家たちが磨き、17世紀のバロック絵画で特に強く使われました。
記事で見る：カラヴァッジョ《聖ペテロの否認》と明暗法
テネブリスム
テネブリスムは、背景の大部分を暗く沈め、強い光で人物だけを浮かび上がらせる、明暗法の特に強い形です。17世紀初めのカラヴァッジョと、その影響を受けた画家たちの絵が代表例です。名前はイタリア語の「暗い（テネブローゾ）」に由来します。
記事で見る：カラヴァッジョ《聖ペテロの否認》と明暗法、ラ・トゥール《悔悛するマグダラのマリア》の見方
ハイライト
ハイライトは、画面の中でいちばん明るく光る小さな部分です。真珠や金属、目の表面などに小さな白い点を置くと、つやや湿り気が感じられます。
記事で見る：フェルメールの真珠と視線
遠近法（えんきんほう）
遠近法は、平らな画面に、奥行きや距離を感じさせる方法をまとめた呼び名です。線を一点へ集める線遠近法、遠くを青く淡くする空気遠近法などがあります。
記事で見る：絵の消失点の探し方
線遠近法（せんえんきんほう）
線遠近法は、実際には平行な線が、画面の奥の一点へ集まるように描いて奥行きを表す方法です。「透視図法」とも言います。15世紀前半のフィレンツェで建築家ブルネレスキが実験を行い、レオン・バッティスタ・アルベルティが1435年にラテン語で書いた『絵画論』で理論にまとめました。
記事で見る：絵の消失点の探し方
消失点（しょうしつてん）
消失点は、線遠近法で、奥へ向かう平行な線が集まって見える点のことです。画家は、消失点を人物の顔や手の近くなど、見せたい場所に置くことがあります。
記事で見る：絵の消失点の探し方、フェルメールの構図の読み方
空気遠近法（くうきえんきんほう）
空気遠近法は、遠くのものほど青みがかり、色が淡く、輪郭がぼやけて見えるように描いて、距離を表す方法です。空気の中の水分やちりが光を散らすために起こる見え方を使っています。「大気遠近法」とも言い、レオナルド・ダ・ヴィンチがこの見え方を書き残しています。
記事で見る：チャーチ《ハート・オブ・アンデス》の見方
前景・中景・遠景（ぜんけい・ちゅうけい・えんけい）
前景・中景・遠景は、画面を手前から奥へ三つに分けたときの呼び名です。手前が前景、中ほどが中景、いちばん奥が遠景です。風景画では、この三つを順に追うと、視線の道筋が見えてきます。
記事で見る：チャーチ《ハート・オブ・アンデス》の見方、フェルメール《恋文》の見方
短縮法（たんしゅくほう）
短縮法は、こちらへ向かって伸びる腕や体、横たわる人物などを、実際の長さより縮めて描き、奥行きを感じさせる方法です。遠近法を人や物の形そのものに当てはめた描き方と言えます。
平面性（へいめんせい）
平面性は、奥行きをつくり込むより、画面が平らな面であることを感じさせる性質や描き方のことです。19世紀後半のマネ以降の近代絵画で、大きな特徴の一つになりました。浮世絵の平らな色面や輪郭線も、その流れに影響を与えたと考えられています。
記事で見る：平らな近代絵画の見方、マネの5作品ガイド
余白（よはく）
余白は、画面の中で何も描かれていない部分のことです。日本の絵では、余白が空や水、霧、遠さを感じさせる場所として働きます。何も描かないことで、描いた部分がかえって引き立ちます。
記事で見る：浮世絵を線・余白・視線で比べる
カメラ・オブスクラ
カメラ・オブスクラは、暗い箱や部屋の壁に小さな穴（のちにはレンズ）を開け、外の景色を反対側の面に上下逆さまに映す装置です。ラテン語で「暗い部屋」という意味で、写真機の先祖にあたります。フェルメールが使ったかどうかがよく話題になりますが、使ったという確かな記録はなく、研究者の意見は今も分かれています。
記事で見る：フェルメールの真珠と視線、フェルメール《赤い帽子の女》の見方
絵の種類と題材
何を描いた絵かによる分け方と、絵に込められた意味を読むための言葉です。
歴史画（れきしが）
歴史画は、聖書、神話、古代の歴史、文学などの物語の一場面を描いた絵です。実際に起きた近い時代の出来事を描いたものも含まれます。17〜19世紀のヨーロッパのアカデミーでは、もっとも格の高い分野とされました。
記事で見る：ダヴィッド《ソクラテスの死》、ロイツェ《デラウェア川を渡るワシントン》
ジャンルの序列
ジャンルの序列は、17世紀後半のフランス王立アカデミーで重んじられた、絵の分野の格付けです。1667年にアンドレ・フェリビアンが示した考えが、もとになったとされます。上から歴史画、肖像画、風俗画、風景画、静物画の順と説明されることが多く、人間の行いを描く絵ほど高く評価されました。19世紀には、この序列を揺さぶるような絵を描く画家も現れました。
記事で見る：17世紀オランダ絵画とは？
肖像画（しょうぞうが）
肖像画は、特定の人物の姿を描いた絵です。顔立ちだけでなく、服、持ち物、背景、ポーズによって、その人の身分や仕事、家族の関係が表されます。
記事で見る：人物画の視線の読み方、ルノワール《シャルパンティエ夫人と子どもたち》
自画像（じがぞう）
自画像は、画家が自分自身を描いた肖像画です。多くは鏡を見ながら描かれました。画家としての腕前や立場を、見る人に示す役割も持っていました。
記事で見る：ラビーユ＝ギアール《二人の弟子と自画像》
集団肖像画（しゅうだんしょうぞうが）
集団肖像画は、組合の役員や市民隊（町を守る市民の部隊）など、ある集まりに属する人々を1枚に描いた肖像画です。レンブラントの《夜警》はアムステルダムの市民隊の集団肖像画で、隊の建物の大広間に、ほかの集団肖像画と並べて掛けられていました。
記事で見る：17世紀オランダ絵画とは？
風俗画（ふうぞくが）
風俗画は、ふつうの人々の日常の場面を描いた絵です。家の中の仕事、手紙のやりとり、酒場、市場、遊びなどが題材になります。17世紀のオランダで特に盛んに描かれました。
記事で見る：17世紀オランダ室内画の5つの見方、ラ・トゥール《女占い師》、17世紀オランダ絵画とは？
風景画（ふうけいが）
風景画は、山、川、海、空、町並みなど、景色そのものを主役にした絵です。ヨーロッパでは長く物語の背景として描かれていましたが、16〜17世紀に独立した分野になりました。17世紀のオランダ、19世紀のイギリス、フランス、アメリカで大きく発展しました。
記事で見る：オランダ室内画と風景画の見比べ方、コール《オクスボウ》
静物画（せいぶつが）
静物画は、果物、花、器、食べ物、本など、動かない物を並べて描いた絵です。17世紀のオランダやフランドルで大きく発展しました。物の形や質感の描き分けに、画家の腕前がよく表れます。
記事で見る：セザンヌ《りんごとサクラソウのある静物》、17世紀オランダ絵画とは？
ヴァニタス
ヴァニタスは、頭蓋骨、燃え尽きかけたろうそく、砂時計、しおれた花などで、人の命や富のはかなさを思い出させる絵や、そのモチーフのことです。ラテン語で「むなしさ」という意味です。17世紀のオランダの静物画で特に好まれました。
記事で見る：ラ・トゥール《悔悛するマグダラのマリア》の見方、17世紀オランダ絵画とは？
寓意（ぐうい）
寓意は、「正義」「愛」「音楽」のような目に見えない考えを、人物や物の姿に置きかえて表すことです。「アレゴリー」とも言い、そのように描いた絵を寓意画と呼びます。たとえば、天秤は正義を、翼のある子どもは愛の神を表すことがあります。
記事で見る：カラヴァッジョ《音楽家たち》、西洋絵画の裸体の見方
アトリビュート
アトリビュートは、神話の神や聖人が誰なのかを見分けるための、決まった持ち物や目印です。「持物（じぶつ）」とも言います。たとえば、ペテロは鍵、マグダラのマリアは香油の壺とともに描かれることが多くあります。
トローニー
トローニーは、17世紀のオランダで描かれた、特定の誰かの肖像ではない「顔」の絵です。変わった衣装や表情を描いて、人物の型や画家の腕前を見せました。フェルメールの《真珠の耳飾りの少女》も、トローニーと考えられています。
記事で見る：フェルメール《若い女性の習作》、フェルメール《真珠の耳飾りの少女》の見方
習作（しゅうさく）
習作は、本番の作品の準備として、構図や色、人物の形を試すために描いた絵です。ただし、美術館の題名に「習作」とあっても、独立した作品として描かれたものもあります。
記事で見る：スーラ《グランド・ジャット島の日曜日の午後》の見方
模写（もしゃ）
模写は、ほかの画家の作品を見ながら写して描くことと、そうして描かれた作品のことです。マネが若いころルーヴル美術館でベラスケスらの作品を模写したように、画家は名画を写して学びました。もとの絵が切り詰められたときなどには、模写がもとの姿を伝える資料にもなります。
記事で見る：マネの5作品ガイド、マネとスペイン絵画の比べ方
連作（れんさく）
連作は、同じ題材やテーマで、何枚も続けて描いた作品のまとまりです。モネの《睡蓮》や、葛飾北斎の版画《冨嶽三十六景》がよく知られています。
記事で見る：モネ《睡蓮》の見方、北斎《冨嶽三十六景 甲州石班沢》
祭壇画（さいだんが）
祭壇画は、教会の祭壇の上や後ろに置かれた宗教画です。中央の画面と左右の扉をもつ三連祭壇画のように、何枚もの板を組み合わせたものもあります。扉を閉じたときと開いたときで、見える絵が変わるものもあります。
時代と流派
絵の描き方や考え方の、時代ごとの大きな流れを表す言葉です。どの言葉も、あとの時代の人がまとめて付けた呼び名であることが多く、境目ははっきりしたものではありません。
ルネサンス
ルネサンスは、14〜16世紀のイタリアを中心に、古代ギリシャ・ローマの文化を学び直した動きのことです。フランス語で「再生」という意味です。絵画では、遠近法や人体の観察にもとづく、現実らしい空間と人物が追い求められました。
記事で見る：ボッティチェリ《受胎告知》の見方
北方ルネサンス
北方ルネサンスは、15〜16世紀のネーデルラントやドイツなど、アルプスより北の地域の美術を指す呼び名です。油彩による細かな描写や、身近な暮らしや自然の観察に特色があります。どの時期までを含めるかは、研究者によって幅があります。
記事で見る：ブリューゲル《穀物の収穫》、デューラー《サイ》とは？
マニエリスム
マニエリスムは、16世紀のイタリアで、ルネサンスの最盛期のあとに現れた傾向です。長く引き伸ばされた体、ひねった姿勢、意外な色づかいなど、わざと型を崩したような表現が特徴とされます。
バロック
バロックは、17世紀のヨーロッパで広がった美術の傾向です。強い明暗、動きのある構図、見る人の感情に訴える劇的な場面が特徴です。一方で、同じ時代のオランダには、フェルメールのように静かな室内を描いた画家もいます。
記事で見る：カラヴァッジョ《聖ペテロの否認》と明暗法、フェルメールの作品ガイド
ロココ
ロココは、18世紀前半のフランスを中心に広がった、軽やかで優美な美術の傾向です。明るく淡い色、曲線の多い装飾、恋や遊びの場面が好まれました。
新古典主義（しんこてんしゅぎ）
新古典主義は、18世紀後半から19世紀前半にかけて、古代ギリシャ・ローマの美術を手本にした傾向です。はっきりした輪郭と落ち着いた構図で、勇気や正しさを示す物語がよく描かれました。フランスのジャック＝ルイ・ダヴィッドが代表的な画家です。
記事で見る：ダヴィッド《ソクラテスの死》、ダヴィッド《ラヴォアジエ夫妻》の見方
ロマン主義
ロマン主義は、18世紀の終わりから19世紀前半に広がった、感情、想像力、自然の大きさや恐ろしさ、異国や過去へのあこがれを大切にした傾向です。イギリスのターナー、フランスのドラクロワ、ドイツのフリードリヒらがよく知られています。
記事で見る：ターナー《Whalers》
ハドソン・リバー派
ハドソン・リバー派は、19世紀のアメリカで、ニューヨーク州のハドソン川流域などの雄大な自然を描いた風景画家たちの呼び名です。トマス・コールが始まりの画家とされ、その弟子のフレデリック・エドウィン・チャーチらが続きました。
記事で見る：コール《オクスボウ》、チャーチ《ハート・オブ・アンデス》の見方
写実主義（しゃじつしゅぎ）
写実主義は、19世紀半ばのフランスで、理想化された物語ではなく、目の前の現実や働く人々の姿をありのままに描こうとした傾向です。「レアリスム」とも言います。ギュスターヴ・クールベが中心となりました。
印象派（いんしょうは）
印象派は、1874年にパリで最初のグループ展を開いた、モネ、ルノワール、ピサロ、ドガ、モリゾらの画家たちです。明るい色と、はっきり見える筆触で、移り変わる光や同じ時代の暮らしを描きました。名前は、モネの《印象、日の出》をからかった新聞の批評から広まりました。グループ展は1886年まで8回開かれました。
記事で見る：印象派は1874年前後にどう変わったか、モネ《睡蓮》の見方
新印象派（しんいんしょうは）
新印象派は、スーラやシニャックらが、色の理論にもとづいて、色を小さな点や短い筆触に分けて置く描き方（点描。「分割主義」とも呼ばれます）で描いた傾向です。1886年に、批評家のフェリックス・フェネオンが名づけました。
記事で見る：スーラ《グランド・ジャット島の日曜日の午後》の見方
ポスト印象派
ポスト印象派は、印象派のあとに、それぞれ別の方向へ進んだセザンヌ、ゴッホ、ゴーガン、スーラらをまとめた呼び名です。「後期印象派」とも訳されます。1910年にロンドンで開かれた展覧会をきっかけに、イギリスの批評家ロジャー・フライが広めました。一つのグループではなく、あとから付けられたまとめの呼び名です。
記事で見る：セザンヌ《りんごとサクラソウのある静物》、ゴッホ《糸杉のある麦畑》
象徴主義（しょうちょうしゅぎ）
象徴主義は、19世紀の終わりに広がった、目に見える現実よりも、夢、死、神秘、心の内側を、象徴的なイメージで表そうとした傾向です。
記事で見る：ベックリン《死の島》
ジャポニスム
ジャポニスムは、19世紀後半のヨーロッパで、日本の浮世絵や工芸が流行し、画家たちがその構図や色づかいを取り入れた動きです。マネ、モネ、ドガ、ゴッホらが影響を受けました。ゴッホは、歌川広重の《名所江戸百景》から2枚を油彩で写しています。そのうちの1枚が《大はしあたけの夕立》です。
記事で見る：広重《大はしあたけの夕立》
日本の絵
浮世絵や屏風など、日本の絵を見るときに出てくる言葉です。
浮世絵（うきよえ）
浮世絵は、江戸時代に広まった、人気の役者、美しい女性、名所の風景など、同じ時代の暮らしや流行を描いた絵です。木版画が中心ですが、絵師が一点ずつ筆で描いた「肉筆浮世絵」もあります。
記事で見る：浮世絵を線・余白・視線で比べる、北斎《神奈川沖浪裏》の見方
錦絵（にしきえ）
錦絵は、たくさんの色を使って摺った木版画のことです。1765年（明和2年）、江戸で流行した絵暦（えごよみ）の交換をきっかけに、鈴木春信らによって始まりました。錦の織物のように美しいことから、この名が付いたといわれます。
記事で見る：北斎《凱風快晴》はなぜ赤い？
木版画（もくはんが）
木版画は、木の板に図を彫り、絵の具を付けて紙に摺る版画です。浮世絵の錦絵では、絵師が描いた下絵をもとに、彫師（ほりし）が色ごとの版木を彫り、摺師（すりし）が色を一つずつ重ねて摺りました。
記事で見る：写楽《三代目大谷鬼次の奴江戸兵衛》、北斎《凱風快晴》はなぜ赤い？、デューラー《サイ》とは？
版元（はんもと）
版元は、浮世絵を企画し、絵師・彫師・摺師に仕事を頼んで作らせ、売り出した出版元です。喜多川歌麿や東洲斎写楽の作品を世に出した蔦屋重三郎（つたや・じゅうざぶろう）がよく知られています。
記事で見る：北斎《凱風快晴》はなぜ赤い？
美人画（びじんが）
美人画は、美しい女性の姿を描いた絵です。古くから描かれてきましたが、江戸時代の浮世絵で特に盛んになりました。喜多川歌麿は、上半身を大きく描く「大首絵（おおくびえ）」の美人画で、よく知られています。
記事で見る：歌麿《寛政三美人》の見方
役者絵（やくしゃえ）
役者絵は、歌舞伎の役者を描いた浮世絵です。今でいうスターの写真やポスターのような役割を持っていました。東洲斎写楽は、1794年からおよそ10か月の間に、140点あまりの作品を残しました。
記事で見る：写楽《三代目大谷鬼次の奴江戸兵衛》
名所絵（めいしょえ）
名所絵は、各地の名所や街道の風景を描いた絵です。平安時代から描かれてきましたが、江戸時代の浮世絵で大きく広まりました。葛飾北斎の《冨嶽三十六景》、歌川広重の《東海道五拾三次》や《名所江戸百景》が代表的です。
記事で見る：広重《蒲田の梅園》、北斎《神奈川沖浪裏》の見方
屏風（びょうぶ）
屏風は、何枚かの板状の面をつないで折り曲げて立てる家具で、そこに描かれた絵の画面でもあります。2枚つなぎを「二曲（にきょく）」、6枚つなぎを「六曲」と呼びます。左右2つで一組になったものを「一双（いっそう）」と言います。
記事で見る：尾形光琳《波濤図屏風》と琳派
琳派（りんぱ）
琳派は、17世紀初めの京都で本阿弥光悦と俵屋宗達が始め、18世紀初めに尾形光琳が受け継ぎ、19世紀に酒井抱一らが江戸で広めた、装飾的な画風の流れです。師匠から弟子へ直接受け継ぐ流派ではなく、時代を越えて先人の作品を学び直すことでつながりました。名前は、光琳の「琳」の字から取られています。
記事で見る：尾形光琳《波濤図屏風》と琳派
発表の場
絵がどこで発表され、どう評価されたかを表す言葉です。19世紀までのヨーロッパの画家の人生を読むときによく出てきます。
アカデミー
アカデミーは、国や王の後ろだてで作られた、美術家の教育と評価を担う団体です。フランスでは1648年に王立絵画彫刻アカデミーが、イギリスでは1768年にロイヤル・アカデミーが作られました。会員になることは、画家にとって大きな名誉でした。
記事で見る：ラビーユ＝ギアール《二人の弟子と自画像》、ターナー《Whalers》
サロン
サロンは、パリで開かれた、アカデミーの流れをくむ公式の美術展覧会です。名前は、ルーヴル宮の「サロン・カレ（四角い間）」で開かれたことに由来します。19世紀には、ここで認められることが、画家として成功するための大きな道でした。
記事で見る：サージェント《マダムX》はなぜ物議を醸した？、マネ《スペインの歌手》
落選展（らくせんてん）
落選展は、1863年、サロンの審査で落とされた作品が多すぎるという不満を受けて、皇帝ナポレオン3世の命令で開かれた展覧会です。マネの《草上の昼食》が展示され、大きな話題と批判を呼びました。
作品を調べる・守る
作品の記事の後半や「参考にした資料」によく出てくる、研究と保存の言葉です。
来歴（らいれき）
来歴は、作品が描かれてから今の所蔵先に届くまでに、誰が持ち、どこにあったかの記録です。作品が本物かどうかを考えたり、盗まれたものでないかを確かめたりする手がかりになります。
記事で見る：セザンヌ《りんごとサクラソウのある静物》
帰属（きぞく）
帰属は、ある作品を、どの画家が描いたものと考えるかという判断のことです。署名や記録、描き方、科学調査などをもとに決められ、研究が進むと変わることがあります。美術館は「〜の工房」「〜の追随者」などの書き方で、判断の確かさを表すことがあります。
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工房（こうぼう）
工房は、親方の画家のもとで、弟子や助手が一緒に制作した仕事場のことです。大きな注文では、親方が構図や大切な部分を描き、ほかの部分を助手が描くこともありました。そのため、一枚の絵に複数の人の手が入っていることがあります。
X線調査（エックスせんちょうさ）
X線調査は、X線で絵を撮影し、表面の下の様子を調べる方法です。鉛白（えんぱく）のようにX線を通しにくい絵の具が白く写るため、塗りつぶされた人物や、描き直しの跡が見えることがあります。
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赤外線調査（せきがいせんちょうさ）
赤外線調査は、赤外線を使って、絵の具の層の下にある下描きなどを見る方法です。木炭などの炭素を含む黒い線が、浮かび上がって見えることがあります。代表的な方法を「赤外線反射撮影（赤外線リフレクトグラフィー）」と言います。
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蛍光X線分析（けいこうエックスせんぶんせき）
蛍光X線分析（XRF）は、絵にX線を当てると絵の具に含まれる元素がそれぞれ決まった種類のX線を出す性質を使って、どの元素が画面のどこにあるかを調べる方法です。画面を細かく走査して元素の分布図をつくる方法を、マクロXRF（MA-XRF）と呼びます。絵の具を削り取らずに調べられ、塗りつぶされた下の絵や、使われた顔料の手がかりが得られます。X線で絵を撮影するX線調査とは別の方法です。
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描き直し（ペンティメント）
描き直しは、画家が制作の途中で、形や位置を変えた跡のことです。美術の言葉では「ペンティメント」と言い、イタリア語で「悔い改める」という意味の言葉に由来します。上の絵の具が年月とともに透けて、下の形が肉眼で見えるようになることもあります。
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修復（しゅうふく）
修復は、傷んだ作品を調べ、これ以上悪くならないように守り、必要なところを直す仕事です。黄ばんだニスや、後の時代に加えられた塗りを取り除くと、描かれた当時に近い色が戻ることもあります。今の修復では、あとで取り除いたり、やり直したりできる材料や方法を選ぶことが大切にされています。
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カタログ・レゾネ
カタログ・レゾネは、一人の画家の作品をできるだけすべて集め、題名、制作年、大きさ、来歴、展覧会の記録などを一点ずつまとめた総目録です。フランス語で「筋道を立てて整理した目録」という意味です。作品を調べるときの基本の資料になります。
ステート（版の状態）
ステートは、版画で、作者などが版に手を加えるたびに区別される、版の段階のことです。手を加える前の版で刷ったものを第1ステート、線を足したり消したり、文字を入れたりしたあとの版で刷ったものを第2ステートのように呼びます。
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パブリックドメイン
パブリックドメインは、著作権の保護期間が終わるなどして、誰でも自由に使える状態になった作品のことです。日本では、絵の著作権は原則として作者が亡くなった翌年から70年間続きます。ただし、絵そのものの権利と、その写真や画像データの利用条件は、別々に確かめる必要があります。
詳しくは：編集方針・情報の確かさについて
オープンアクセス
オープンアクセスは、美術館などが、所蔵作品の画像やデータを、誰でも無料で使えるように公開する取り組みです。たとえば、メトロポリタン美術館やシカゴ美術館は、パブリックドメインの作品の画像を「CC0」という、権利を主張しない条件で公開しています。
参考にした資料
- Getty Research Institute「Art & Architecture Thesaurus（AAT）」（用語の定義）
- Tate「Art Terms」（用語の解説）
- JAANUS（Japanese Architecture and Art Net Users System）（日本美術の用語）
- ファン・ゴッホ美術館の作品解説（《梅の木（広重による）》《雨の橋（広重による）》）
- 著作権法 第51条・第57条（e-Gov 法令検索）（著作権の保護期間）
- メトロポリタン美術館・シカゴ美術館のオープンアクセスの利用条件